In a forgotten corner of Italy, musicians turn a mystical tradition into a source of passionate regional pride

di Laura Fraser

da Afar, luglio/agosto 2010

The road that runs down through Salento, a region in the heel of Italy’s boot, is almost completely deserted at night. I am driving to a folk concert with two Italian friends, and we pass only a few sleepy villages, many gnarled olive trees, and scarcely another car along the way. When we reach the town of Alessano, situated a few kilometers from the point where the Adriatic and Ionian seas meet at the tip of the peninsula, we park on a narrow cobblestone street. No one is out, and the air is dry and hot. The place seems scrubbed bare of inhabitants. Then we scurry up a hill and round a corner into a blaze of light: Before us, the central piazza is packed with thousands of people, stretching from the town’s ornate neogothic church to the clock tower, all staring up at the brightly lit stage. Singer Enza Pagliara, that evening’s main act, is just warming up. Fernando Bevilacqua, a local photographer who has brought my friend Giovanna and me here, elbows his way to the front of the crowd, sidling past elderly signoras in cardigans and pumps, scruffy kids with dread-locks, men with slick black hair and neat red pants, young women in diaphanous skirts and eggplant-tinted curls. The crowd is di tutti i colori, as they say in Italian, all colors and all types. Giovanna, who is Italian and short, climbs the steps of a fountain to get a better view. A few strums of the guitar, several staccato taps on a tambourine, some mournful cello sawing, and Pagliara steps up to the microphone, reaching wide with her long arms as if to embrace the entire crowd. The sound that emerges from her mouth isn’t like blues or jazz or opera or anything I’ve ever heard. It’s an Arab-tinged wail of close harmonies and dissonance, full of longing, lust, and lament. Her clear voice carries over the thousands of upturned faces, and the song seems as ancient as the limestone buildings of Alessano. Maybe it is. When I tell Bevilacqua I can’t understand a word, even though I speak Italian, he explains that the lyrics are in Salentino and Griko, dialects spoken here that date back to the Greeks who colonized the area long before the Romans arrived. Pagliara sings hymns to endurance, plaintive tunes for gathering wheat under a beating sun; come-hither courtship dialogues with back-and-forth verses between voice and instruments; and pieces with polyphonic overtones that sound like Balkan ballads. Pagliara invites her elderly aunts and uncle onstage to sing a few traditional lullabies and other songs from their childhoods. The crowd is swaying and entranced by the mystical music, which is called pizzica. Then a frenetic song starts up, and Bevilacqua whispers that it is a pizzica pizzica, meaning “bitten bitten.” The tambourine, accordion, and violin pick up speed, and Pagliara sings faster and faster. The words are coming so quickly now, they’re just sounds. Pagliara is bopping so fast that her long black hair swishes wildly and her feet barely touch the stage. The earth vibrates with thousands of feet pounding the cobblestones in the square. Bevilacqua glances at me and says, “It’s impossible not to dance, no?” and I realize my feet are tapping, too. I give in to the rhythm and start twirling with the music. The crowd in the square breaks into small circles as people stomp, spin, and pair off for impromptu courtship dances. The pace is dizzying; no one can avoid the song’s contagious energy. Pizzica has long captivated the Salentini. Legend has it that musicians played these songs when someone, usually a woman, had been bitten by a tarantula spider. Scientific? No. Superstitious? Yes. To expel the crazymaking venom, the woman would convulse and dance to exhaustion, enveloped by the music. This curative ritual dates back to Dionysian rites, and it is significant today for the music and dance it left behind. Contemporary pizzica pizzica, while paying homage to the traditions of the past, is a celebration of the region’s culture.

When the concert is over, many in the crowd continue playing the tambourine, their bodies shaking and feet tapping, and we wander amid the stalls that sell CDs, instruments, jugs of local wine, and T-shirts emblazoned with big black spiders. The people around us keep dancing until we straggle back to the car at two in the morning. I’m here in Salento in the middle of a scorching August for the Notte della Taranta, or Nights of the Tarantula, a weeklong festival that celebrates the tarantella. Folk music concerts are slated for almost every night in different town squares throughout the region. Pizzica is the Salentine variant of SpIder bytes: tarantella, and its homeland, the southernmost part of Puglia, is still relatively untouched by tourism. It feels like the Italian countryside foreigners visited 40 years ago. During the day, the villages are deserted, motionless, and oppressively hot; during the cooler evenings, the shops open and people slink out as if from under rocks. Since antiquity, and until only a couple of decades ago, life in Salento was desperate, particularly for women, who had little say in their destinies. Occasionally someone would sink inward, glassy-eyed, writhing on the floor, delirious, and could only be roused by musicians, especially the sound of the tambourine. Neighbors would whisper that she’d been bitten by the tarantula, and would circle around her playing instruments. The afflicted tarantata would eventually rise up and dance in circles, stomping on the ground to the rhythm, as if trying to kill a spider. The ritual lasted, on and off, for up to three days, and the symptoms allegedly returned every year in June around the feast day of San Paolo (Saint Paul), who protects against venomous animals. Today, Salento is better known for its craggy coves and baroque architecture than for its tarantate, who – like the poisonous spiders that supposedly cause their frenzied state — have mostly died off. Yet on my first trip to Salento, three years ago, I noticed signs of those spiders everywhere. Faded posters of tarantulas were tacked up on village walls, advertising traditional pizzica music concerts. Happy-looking spiders beckoned from highway billboards, encouraging tourism in the area. How had Salento transformed the tarantula—a grim symbol from its past—into a cheerful icon celebrating the region and its music? To investigate, I had to start with history. In the 1950s, a handful of anthropologists and ethnomusicologists started recording pizzica music. Alan Lomax—famous for discovering Muddy Waters, Leadbelly, Woody Guthrie, and other American roots musicians—amassed a collection of traditional Salentine folk songs. Perhaps the most prominent of these researchers still living is Luigi Chiriatti, an anthropologist who recorded music and oral histories in the early 1970s and has written several books on tarantismo. After the concert in Alessano, I call Chiriatti and he invites me over to his house in a town near Melpignano. His living room walls are covered with relics from a long career in anthropology: masks, ancient musical instruments, and black-and-white photos of Salento’s past. Chiriatti, a modest man in his 70s, is energetic and impassioned when talking about his region’s deepest traditions, and we chat for hours about the history of the tarantula rites, how they came to Salento (probably from the Greek Dionysian cult), and the varieties of stories he has collected from tarantate over the years. What puzzles me, I tell him, is how pizzica, which he says by the 1980s was mostly forgotten or considered hillbilly music, is packing town squares in 2009. “We had to revisit what identifies us as Salentini,” he says. Previously, most associations with Salento had been negative. “It had been considered a land of remorse, a land from which people emigrated because there was no work, a land with no partisan heroes—a land that had been silenced and forgotten.” But when ethnomusicologists started rediscovering the songs and musicians began playing them, Salentini realized that pizzica music and dance are what makes their territory unique. Their view of the music— which is, at its heart, upbeat in sound—began to take on a positive cast, and this affected the way Salentini saw everything about their culture. “Through the music, we started seeing the territory in a truly different way, rediscovering the land, the rocks, the churches, the piazzas, and the sea,” Chiriatti says. The lyrics and tones fit the place.

In the 1990s, a small underground pizzica scene started to percolate, partly boosted by Pizzicata, a 1995 neorealist film that included interviews and sessions with traditional Salentine musicians. The film recounts the story of one tarantata, a young contadina (peasant woman) who was “bitten” by a tarantula and fell ill after her lover was killed and she was prom- ised to his murderer. Local musicians, including Bevilacqua—the photographer who was my guide in Alessano—started organizing small concerts and booking gigs throughout Europe. In 1997, some young administrators of Salento’s small towns recognized the modern appeal of the spider and decided to use pizzica to promote regional identity, staging the first Notte della Taranta. The event has grown exponentially ever since, bringing tens of thousands of tourists to the area and making Salento synonymous with pizzica, the way Argentina means tango. “By freeing the music from associations with the spider, the ritual, and religion, we’ve turned something negative into something profoundly positive,” Chiriatti tells me. On the day before the final concert of the week in Melpignano, a town of about 2,000 people, I find my way to the ruins of the 16th-century Carmine church. A stage has been built there, and musicians are preparing for a dress rehearsal. Enza Pagliara sits on the grass, pressing a sweating bottle of water to her face to stay cool in the hundred-degree heat. I sit down next to her and ask about pizzica’s tarantula-related origins. Pagliara, 41, who has studied tarantismo and pizzica for more than 20 years, says that most people think the tarantulas were a myth. In 1959, the anthropologist Ernesto De Martino set out with an interdisciplinary team of physicians and psychologists to study 35 women afflicted with tarantismo. His work was published in English as The Land of Remorse— and “remorse” in Italian has a second meaning: “re-bitten.” Today, Pagliara says, most Salentini believe that the tarantula bite was an excuse, a way for people in the villages to express rage, repressed eroticism, and frustration. “It was a territory that was extremely poor,” Pagliara says. “People worked like serfs, and until 50 years ago the padrone even had the diritto della prima notte,” meaning the local landowner had the right to sleep with a bride first on her wedding night. “For women”—she makes a strangling gesture around her throat—“it was untenable, and the tarantula was the way to let loose of everything, a form of therapy before psychotherapy.” Pagliara grew up singing the songs with her aunts. She began recording, she says, because “I knew there was something precious in this music.” She went to early pizzica gatherings in the ’90s and learned to dance and play the tambourine. When she began to record her relatives, at first they were ashamed and wanted to sing songs from the radio instead. “Their songs have a real sense of this territory from the older days,” Pagliara says. “They’re the sound of the land, and I’ve wanted to keep them alive.” Pagliara performs at large concerts, but also at small pizzerias and at parties, sometimes until five in the morning. “I don’t know how to sing pop or anything else,” she says. “Our oldest music was therapy for the tarantata, and so maybe I am a little crazy, because I have to sing, I need it for myself more than anything. I can’t help it; I feel like I have the living soul of the music inside me, the soul of the land.” I heard similar sentiments from other Salentini I talked to—that the tradition is in their blood. Before the last show, I meet Giorgio de Giuseppe, who dances to pizzica almost nightly with small gatherings of musicians. We sit in a café outside a gas station in a small village near Otranto. De Giuseppe is a slight, fit retiree of 56 who worked as a jail guard. He tells me that his father, an illiterate contadino (peasant), was one of the rare men bitten by the tarantula, before Giorgio was born. His father never felt the bite, but became vague and depressed. Then, every year on June 29, he turned manic. The family took him to the church of Saints Peter and Paul in the village of Galatina to join the other tarantate in the region, who like- wise became agitated on that day and went there to be calmed. For the rest of his life, even when he walked with a cane, his father had to dance when he heard a tambourine. Now de Giuseppe says he’s inherited that urge. “A little bit of the spider’s venom has been transmitted to my blood,” he says. “I don’t fall to the ground and have contortions, but I need to dance when I hear the tambourine. De Giuseppe’s belief in the spider venom is unshakable. “Why,” I ask, “did the spiders mainly bite women?” “They wore skirts—that made it easy to get bitten,” he explains.

“Do you think that saying you were bitten by a spider might have been a way for people who were extremely stressato to let off some steam?” I ask. “Maybe the spiders weren’t even poisonous. No one else in Italy went pazzo [crazy] after being bitten by a spider.” De Giuseppe becomes agitated. “Look, Laura,” he says. “There are no more spiders because of pesticides, and so there are no more tarantate. If you go looking for a spider, you can’t find one. They’re extinct.” On the final night of the Notte della taranta, Melpignano is transformed into a huge fairground, with food vendors, camping tents, craft stalls, and remote video screens for dancers who want more space. De Giuseppe the dancer is there, selling hundreds of little handmade tambourines to tourists. Backstage, I pause to talk with Giuseppe Spedicato, 33, the acoustic bass player in Pagliara’s band. Spedicato tells me he became interested in pizzica while studying ethnomusicology in Lecce, the largest city in the region. I ask him why tens of thousands of people are gathering outside right now, from all over Italy, and he says there’s a huge interest in traditional music among his generation; these days it’s cool. “You go to anyone’s house, or to a party, and people will play pizzica and dance,” he says. People love the music because it’s so rhythmic and hypnotic. “There are moments when the tambourine and the voice send people into a trance,” he says. “It’s a way of getting outside yourself.” So, too, there’s a fascination with the music’s history. “Pizzica is popular partly because of the magic associated with it,” he says. “The spider, the poison, the music as an antidote—we’ve got a collective infatuation. The concert begins at dusk, and soon the crowd swells to more than 100,000 people, stretching as far as you can see, all swaying together in front of the moonlit monastery ruins. Band after band takes the stage, starting with traditional acoustic music. Special guest stars—world musicians from other countries—join the Orchestra Notte della Taranta in compulsively danceable collaborations. The audience is transported, moving together as though under a spell. My friend Giovanna is here, along with several of her friends who’ve traveled all the way from Bologna in the north for the concert, which they say they wouldn’t miss. Mesmerized by the music, the audience speeds up as the hour gets later and later. When a man taps me on the shoulder and tells me I’ve been “bitten by the tarantula,” I check my watch and notice I’ve been at the concert for seven hours straight, most of it dancing, packed into the crowd. The concert finishes at four in the morning, and it feels as though it just started Afterwards, Giovanna and I walk the streets of Melpignano as the wine sellers pack up, the crowds disperse to the far corners of Italy, and the jewelry makers take down their stalls. In the main square, dancers twirl and stomp on imaginary spiders. One by one, they drop off, a few curling up on the stone steps of the San Giorgio church. As they finally sleep, exhausted, the sky grows light and the pale limestone glows a faint pink, already beginning to warm.

La segnalazione dell’articolo l’ho trovata sul blog Terremobili. Storie di ordinaria ospitalità

Il testo invece sul blog di Giuseppe Spedicato

Le foto infine sono di Lorenzo Pesce (a questo indirizzo se ne trovano altre: http://reduxpictures.com/lorenzo-pesche-for-afar-magazine

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di Giordano Montecchi

da www.unita.it del 30 luglio 2010Qualche volta c’è una buona notizia. E spesso a procurarcela è la rete, in virtù di quel suo potere… come definirlo? Rivoluzionario? Ok, diciamo «mediaticamente rivoluzionario», capace di sovvertire regole e discriminazioni in materia di informazione, o meglio, di condivisione dell’informazione. E siccome il potere è quello che sa tutto e i sudditi sono quelli che non sanno niente, se la rete continua di questo passo a divulgare tutto, chissà dove andremo a finire.L’ultima riguarda la musica della quale la rete, checché se ne dica, è una grande benefattrice.

La notizia viene dagli Usa: una parte piccola, ma ciononostante imponente dell’archivio di Alan Lomax – per la precisione 400 ore di filmati registrati per la rete televisiva Pbs fra il 1978 e il 1985 – verranno resi pubblici su un apposito canale di Youtube (www.youtube.com/user/AlanLomaxArchive). Già, Alan Lomax… Molti anni fa, in tanti, appassionati di musica, quando andavamo scartabellando per dischi, cercando le cose più preziose del jazz, del blues, del rock, del folk, ebbene, una volta sì e l’altra pure saltava sempre fuori questo nome: Alan Lomax... Alan Lomax. Non era un musicista, né un musicologo, né uno storico della musica, né un produttore nel senso usuale del termine, forse perché era tutte queste cose insieme. Perché Alan Lomax ha passato la vita a registrare e poi a filmare il mondo, il mondo dei diseredati, dei dimenticati, dei carcerati, il mondo delle musiche minacciate di estinzione.

Con un termine oggi troppo abusato si potrebbe definirlo uno «storico orale», cioè uno che invece delle fonti scritte, cerca la gente e ne raccoglie le testimonianze. Lomax registrava e archiviava, e una parte di quelle registrazioni finiva su disco. Non erano dischi molto vendibili. Ma i musicisti, da Miles Davis a Bob Dylan, questi dischi li ascoltavano eccome, e rimanevano folgorati dalla forza prepotente di quelle voci, di quei suoni usciti da chissà dove: terra nera, carni macerate, memorie irremovibili, anime ribelli, canti da mozzare il fiato. Per questo sul retro del disco il grazie a chi aveva fornito quella presiosissima «materia prima» non mancava mai. Difficile dire il valore dell’eredità che Alan Lomax ha consegnato alla storia del XX secolo. Quel che è certo è che questo texano di Austin nato nel 1915 e spentosi nel luglio del 2002, ci lascia una documentazione monumentale, raccolta in quasi settant’anni di attività instancabile. Cominciò nel 1933, a diciotto anni, seguendo il padre, responsabile dell’Archive of Folksongs della Library of Congress. All’epoca i Lomax si portavano dietro qualcosa come duecento chili di attrezzatura che consentiva loro di incidere grandi dischi di alluminio o di acetato capaci di contenere 15 minuti di musica. Negli anni prima della guerra il loro archivio era già una miniera: Leadbelly, Jelly Roll Morton, Memphis Slim, Woody Guthrie, Big Bill Broonzy, McKinley Morganfield divenuto poi celeberrimo come Muddy Waters.

E già iniziavano i ringraziamenti, perché alcuni di questi artisti devono l’avvio della loro ascesa proprio ai Lomax. Prima col padre poi con altri collaboratori, Alan Lomax ha battuto palmo a palmo gli Stati Uniti: tradizioni folkloriche, i canti di lavoro, la musica dei diversi, degli emarginati, ma soprattutto la musica dei neri. Occorreva pazienza, fatica e molto coraggio perché l’ostilità, le minacce e talvolta le violenze in un sud razzista, ancora feudale erano sempre in agguato, perché un «amico dei negri» era (?) visto peggio di un negro. Snobbato dagli etnomusicologi e dai folkloristi per la sua dichiarata solidarietà coi soggetti delle sue ricerche (il folklorista, era solito ripetere, deve farsi avvocato delle culture popolari) Alan Lomax è stato un grande pioniere della diversità culturale come valore da difendere e preservare e nella sua veste un benefattore delle musiche folkloriche di mezzo mondo: Stati Uniti, Caraibi, Inghilterra, Spagna, Urss e anche Italia, dove viaggiò nel 1954–55 con Diego Carpitella registrando una collezione di canti delle diverse regioni di valore – e bellezza – inestimabile.

Non è retorica. Lo dicono i numeri del Lomax Archive acquisito nel 2004 dall’American Folklife Center della Library of Congress: più di 5000 ore di registrazioni audio, 2500 videotapes, circa 120 mila chilometri di pellicola girata, una quarantina di metri di scaffali pieni di appunti e manoscritti vari, oltre a una biblioteca di migliaia di volumi e molta altra documentazione. A tutto questo andrebbe poi aggiunta la sterminata discografia nella quale Lomax ha avuto un ruolo come ricercatore, produttore o consulente scientifico e che allinea centinaia di titoli, 78 giri, long playing, cd. A parte le decine di registrazioni fornite dagli appassionati che già Youtube ospita da anni, ora ci sono i documenti dell’Archivio, queste registrazioni degli anni Ottanta, un’epoca nella quale le mitografie, le epopee eroiche alla Leadbelly o Robert Johnson sono ormai fuori luogo.

Eppure Alan Lomax è il ricercatore, è colui che, appunto, sa cercare e sa trovare. E anche quando l’età dell’oro è tramontata eccolo denudare le radici ancora vive, là dove nessun talent scout, nessun discografico si sarebbe mai avventurato: i sermoni alla St. James Missionary Baptist Church Congregation o il blues di R.L Burnside: sì la chitarra è elettrica ma, sullo sfondo, la povera campagna e il filo spinato dicono che il tempo non è mai trascorso e forse non passerà mai. Questi e altri documenti inestimabili di umanità oggi vanno su Youtube; platea: il mondo. Chissà chi vincerà, se l’umanità o il business.

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Con un grande concerto si è inaugurata a Bari la biblioteca dei suoni di Puglia. Aperta a tutti, terrà viva la tradizione

di Riccardo Piaggio

dall’inserto culturale domenicale del Sole 24 Ore del 17 maggio 2009

Sono strani suoni, che si confondono con quelli dei grilli e dei trattori della campagna pugliese, almeno per ora. Bisognerà aspettare alcuni decenni. Poi – è questa la scommessa del popolo del folk di questa terra – quei suoni torneranno a vivere, diventando la nuova cartolina turistica e culturale del Salento e del Gargano. Quei suoni sono le musiche e le voci dei cantori della pizzica e della tarantella. L’eredità viva degli appassionati raccoglitori delle musiche folk del nostro sud, da Alan Lomax a Roberto Leydi diventa allora diventa ora una biblioteca aperta.

L’Archivio sonoro della Puglia è stato inaugurato in queste settimane a Bari, presso la Biblioteca Nazionale, con un grande concerto, dal titolo evocativo, «Chi suona e canta non muore mai», animato da oltre sessanta musicisti tradizionali pugliesi.

La vocazione è chiara: la memoria sonora va tutelata e coltivata, anche se le musiche popolari cominciano a portare nelle piazze un pubblico paragonabile, almeno numericamente, a quello degli eventi pop. Tra i diversi Fondi, uno è dedicato all’opera di un grande cantore del sud, il calabrese Otello Prefazio, con preziosi documenti sul folk del Gargano e sul poeta contadino Matteo Salvatore.

Un nuovo archivio sonoro è sempre un azzardo. Un luogo che racconta una cultura immateriale non assimilabile ad altri patrimoni culturali popolari rivela una debolezza: non esiste una classicità a cui ispirarsi, né una età dell’oro da riguadagnare, nel mondo delle musiche tradizionali. Non esistono copie né originali. Non ci sono firme da autenticare, ma una immensa e scomposta massa di testimoni che ci raccontano la storia e il futuro di un’intera comunità. Potremmo chiamarla folk brand, questa nuova onda che rimesta la terra e porta a galla ogni sorta di memoria.

Melpignano & Co. sta diventando una sorta di Centro internazionale del folk, dove si fa ricerca, si producono suoni e idee, oltre a una dose di entetainment culturale, con la «Notte della Taranta» e il festival a Carpino. Che non diventi una Disneyland, dipenderà da chi (amministratori e musicisti) ci metterà, nei prossimi anni, le mani e il cuore.

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di Antonella Gaeta
da Repubblica di Bari di giovedì 26 marzo 2009

Andrea Sacco, anziano cantore di Carpino, ne aveva fatto una massima di vita: “Chi suona e canta non muore mai“. Ma il patrimonio sonoro della tradizione pugliese ha rischiato molte volte di morire, dissolto nell´indifferenza, ignorato dalla cattiva cultura. Intanto, studiosi indipendenti hanno continuato a registrare, catalogare, inventariare e, dunque, a preservare canti, nenie, serenate, tesori. Poi sono venuti gli anni della riscoperta e le piazze si sono riempite di quegli stessi suoni che adesso sappiamo riconoscere e (forse) amare. Il momento giusto, insomma, per un bell´Archivio sonoro della Puglia che lunedì sarà inaugurato alla Cittadella della cultura di Bari. Con una festa straordinaria che, tra Biblioteca nazionale e Archivio di stato, schiererà sessanta cantori della tradizione, da Grumo a Zollino, da San Giovanni Rotondo ad Altamura.
Grande risultato l´archivio che porta la firma di un caparbio e appassionato etnomusicologo, Vincenzo Santoro, dell´associazione Altrosud di Mimmo Ferraro con il sostegno del ministero per i Beni culturali e dell´assessorato alla Cultura della Regione. Tre le postazioni che, al momento, saranno allestite nella Biblioteca nazionale, terminali soltanto della ricerca. Perché l´ottimo sito www.archiviosonoro.org/puglia offre agili possibilità di consultazione da casa (la parte tecnica la cura il laboratorio Leav dell´Università di Milano). Basta inserire nel motore di ricerca il titolo di un pezzo, il nome di un´artista, di un ricercatore e si apre mezzo secolo di storia sotto gli occhi. Voci antiche si schiudono assicurando l´effetto viaggio nel tempo come accade con la festa di san Rocco in Salento raccolta da Diego Carpitella. Un affaccio su un mondo scomparso.
Sul sito si ha tutto a disposizione con assaggio di ascolto da 40 secondi. Per completarlo occorre raggiungere Bari. A disposizione, per il momento ci sono 1500 pezzi catalogati, ma quando l´archivio andrà a regime ce ne saranno 4000 e il successivo passo sarà quello di decentrarlo in sedi territoriali. E veniamo al patrimonio catalogato che va dalla primissima campagna mai effettuata nel 1950 dal tarantino Alfredo Majorano alle celeberrime campagne di ricerca di Alan Lomax e Carpitella nel 1954, passando per rarità come le registrazioni del ´64 di Leo Levi nella comunità neo-ebraica di Sannicandro Garganico e attraverso l´esplorazione del tarantismo lungo gli anni Sessanta di Annabella Rossi, fino alle più recenti rilevazioni sulla Murgia di Massimiliano Morabito, Annamaria Bagorda e Gianni Amati. Sette in tutto i fondi a disposizione. Quello dell´Accademia nazionale di Santa Cecilia con 467 documenti di Lomax-Carpitella e di Remigio De Cristofaro tra ´54 e´66. Il fondo De Carolis dedicato a Sannicandro Garganico e Carpino. Il fondo Leydi, uno dei più ricchi, depositato nel 2003 in Svizzera, con quarant´anni di rilevazioni dal ´64 al 2000 su tutto il territorio regionale. Il fondo Profazio che offre delle rarità su Matteo Salvatore che lo stesso Otello Profazio registrò nel corso di trasmissioni radiofoniche negli anni ´60. E, ancora, il fondo Rinaldi realizzato alla fine degli anni Settanta da Giovanni Rinaldi e Paola Sobrero con un´inchiesta sulla memoria storica dei braccianti del Tavoliere. E, per finire, i più recenti, il fondo Morabito e l´Amati-Bagorda composto percorrendo dagli anni Novanta, Puglia centrale e Murgia. Tre le macro-aree di suddivisione: Capitanata, Puglia centrale e Murgia, Salento che consentono anche un passaggio attraverso il lavoro di ricerca di fondamentali studiosi come Ernesto De Martino, Giovanna Marini, Gianni Bosio, Brizio Montinaro, Salvatore Villani, Luigi Chiriatti, Ivan Della Mea, Clara Longhini.

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di Guido Caldiron

da Liberazione del 3 gennaio 2008

«Ricordo quel giorno quando portai il mio vecchio e malandato registratore Magnecord su una chiatta per la pesca del tonno, quindici miglia al largo del Mediterraneo limpido, blu. Da mesi nemmeno un tonno era caduto nella trappola sottomarina, e i pescatori non erano pagati da quasi un anno. Eppure intonavano a gran voce i loro canti intorno all’argano come se fossero davvero impegnati in una ricca retata: a un certo punto incominciarono a battere i piedi nudi sulle tavole, simulando le convulsioni mortali di una dozzina di tonni. Dopo, ascoltando la registrazione, applaudirono alla loro performance , come fanno tanti cantanti d’opera. I loro canti – i primi, credo, a essere registrati in situ – avevano solo due argomenti: i piaceri del letto che li attendevano a riva e l’infamia del proprietario della tonnara, che chiamavano pescecane ».

Nell’estate del 1954 Alan Lomax arrivò in Sicilia, portava con sé molta curiosità e molti progetti ma soprattutto un registratore portatile e chilometri di nastro vergine. Il ricercatore, considerato tra i fondatori dell’etnomusicologia, che aveva attraversato in lungo e in largo il sud degli Stati Uniti e risalito il fiume Mississippi alla ricerca delle tracce della musica popolare americana e delle origini del blues, aveva scelto l’Italia – i suoi antenati erano fuggiti dalla Lombardia al tempo della crociata contro gli Albigesi – per aggiungere un nuovo capitolo al suo straordinario archivio sonoro. Mezzo secolo prima del successo della “World music”, a decenni dalla nascita dei diversi “Canzonieri popolari” italiani, Lomax costruiva con le sue registrazioni un ponte tra la storia orale, la musica tradizionale e la sua futura testimonianza nell’industria della cultura e dello spettacolo. Un libro, appena pubblicato da il Saggiatore, Alan Lomax L’anno più felice della mia vita (pp. 238, euro 29,00), curato da Goffredo Plastino e che contiene una lunga testimonianza di Anna Lomax Wood, figlia del ricercatore, e una presentazione di Martin Scorsese, ricostruisce quella straordinaria vicenda a partire dal diario di quel viaggio redatto all’epoca dei fatti dallo stesso Lomax.

Alan Lomax era nato a Austin in Texas nel 1915. L’amore per la musica l’aveva appreso in famiglia: suo padre, il musicologo John A. Lomax era uno dei pionieri della ricerca sul folklore americano, tra i primi responsabili dell’archivio sonoro della Library of Congress di Washington. Negli Stati Uniti anche la musica e la tradizione orale hanno infatti giocato un proprio ruolo all’interno della national building del paese. A soli diciott’anni Alan Lomax si trovò così ad accompagnare il padre durante le sue ricerche sul campo in giro per gli Usa. Tra il 1933 e il 1942 avrebbe viaggiato in lungo e in largo in particolare nel sud degli Usa, per registrare musiche e canti sia dei “poveri bianchi”, quelli che vivevano nelle zone depresse dei Monti Ozark o degli Appalachi, tra Kentucky e West Virginia, che dei discendenti degli schiavi deportati dall’Africa. Insieme al padre raccolse i suoi primi documenti sonori nei penitenziari e nelle contee rurali del sud, in Stati come la Louisiana, il Mississippi, il Tennessee, l’Arkansas, le Caroline e lo stesso Texas. Da quell’esperienza Alan Lomax avrebbe tratto più tardi il suo La terra del blues, un magnifico libro di viaggio alle origini della musica nera scritto lungo il Delta del Mississippi, pubblicato nel 2005 da il Saggiatore.

Nell’interesse che i Lomax mettevano nello studio di queste tracce di una cultura popolare che il progresso economico e sociale stava lentamente cancellando, c’era anche la considerazione che si trattasse di una narrazione dello sfruttamento e della marginalità a cui era stata sottoposta una parte della popolazione americana. Far emergere questa memoria legata a sottoculture locali, o “stigmatizzate” come nel caso del blues cresciuto nelle carceri delle ex zone delle piantagioni di cotone, significava per loro testimoniare la realtà delle diseguaglianze sociali e l’oppressione esercitata dalla cultura dominante. Ciò non gli impedì di diventare nel 1937 il primo dipendente remunerato dall’American Folklife Center, l’archivio sonoro della LIbreria del Congresso a cui si deve la diffusione su disco dell’immenso patrimonio delle musiche tradizionali americane. Ma Lomax sarebbe anche andato oltre questo compito, trasformandosi nella prima figura di esploratore internazionale delle musiche popolari, fino a legare il proprio nome a un archivio sonoro “globale” con musiche raccolte e registrate in tutto il mondo. L’uomo che aveva scoperto il blues nelle galere del profondo sud degli States arebbe raccontato così la vita, il lavoro e i sogni di milioni di persone attraverso i nastri di un registratore.

Alan Lomax era vicino agli ambienti sindacali e al Partito Comunista Americano, un motivo sufficiente per destare l’interesse dell’Fbi che decise di metterlo sotto sorveglianza già negli anni Quaranta. Nel saggio di Plastino, che costituisce l’ossatura de L’anno più felice della mia vita , è citato un breve rapporto dei “federali” in cui il ricercatore è descritto come «un individuo molto strano: si interessa soltanto di musica folk (…) Non dà alcun valore ai soldi, usa la sua proprietà e quella del Governo con negligenza, praticamente non si cura del suo aspetto». Così, quando nel giugno del 1950 il maccartismo si abbatte su Hollywood e sul mondo dello spettacolo americano con la pubblicazione del “Red Channels”, il pamphlet che contiene i nomi di 151 artisti sospettati di attività antiamericane e di simpatie comuniste, non stupisce che Lomax faccia parte della lista nera. Il suo lavoro di ricerca sulle canzoni di protesta, la sua collaborazione con Pete Seeger e Woody Guthrie e con i gruppi musicali vicini al sindacato United Federal Workers destano sospetti agli occhi delle autorità nel pieno della crociata anticomunista. E’ allora che arriva a Lomax la proposta che lo porterà in Italia e gli farà continuare anche a livello internazionale il lavoro di ricerca iniziato negli Stati Uniti.

Goddard Lieberson, presidente della Columbia Records incontra per caso Lomax in un caffè di Broadway nel settembre del 1950. Al primo interessa sostenere il lancio del 33 giri, il long playing apparso alla fine del 1948 che si imporrà sul vecchio 78 giri, con idee che ne possano mostrare l’utilità e la commerciabilità. Lomax sta invece cominciando a immaginare la pubblicazione di una collana discografica dedicata alle musiche del mondo. Il risultato di quell’incontro sarà la nascita di una prestigiosa collana, la “Columbia World Library of Folk and Primitive Music” il cui primo disco sarà pubblicato nel 1955. Lo stesso anno della fondazione negli Usa della Society of Ethnomusicology.

E’ su queste basi che Alan Lomax parte per l’Europa: sarà prima in Gran Bretagna, dove troverà un finanziamento della Bbc per le sue ricerche in Italia, quindi in Spagna e nell’estate del 1954 arriverà nel nostro paese. In viaggio con lui per le regioni italiane ci sarà Diego Carpitella, all’epoca assistente alla direzione del Centro Nazionale di Studi sulla Musica Popolare di Roma, e poi per lunghi anni docente di Etnomusicologia alla Sapienza, che con Ernesto de Martino, tra il ’52 e il ’58 raccolse più di 5.000 canti popolari italiani. Nel corso delle sue ricerche, oltre a centinaia di braccianti, pescatori, mondine a interi paesi e comunità, Lomax avrebbe incontrato intellettuali come Luciano Berio, Alberto Moravia e Vittorio De Seta. Tutto nello spazio di pochi mesi. «Il viaggio – racconta infatti Plastino – incomincia in Sicilia, nel luglio del 1954: la prima seduta di registrazione avviene a Sciacca (Agrigento), il 2 luglio. Il 25 luglio Lomax e Carpitella iniziano a registrare in Calabria, dove rimagono fino al 6 agosto. Dopo qualche giorno di pausa, riprendono il viaggio dal Salento (12 agosto) e risalgono la Puglia fino al Gargano (25 agosto). Il 18 settembre registrano in Friuli. Dal Friuli Lomax e Carpitella si muovono verso ovest: sono in Lombardia nella terza decade di settembre, pochi giorni dopo si trovano già in Piemonte (28 settembre): per poche ore si recano in Val D’Aosta (3 ottobre), e da lì scendono nel Monferrato. Finite le registrazioni in PIemonte, Carpitella rientra a Roma e Lomax va in Liguria (fino al 15 ottobre), poi in Veneto (fino al 3 novembre), in Romagna e in Emilia (novembre). Si sposta rapidamente dalla Toscana all’Abruzzo, dalle Marche al Lazio e da lì in Umbria; ritorna anche in Toscana (fino al 20 dicembre). Il 31 dicembre registra a Positano (Salerno), e fino al 13 (o 15) gennaio 1955 rimane in Campania, dove il viaggio si conclude».

Per Lomax è la scoperta di un mondo, per quelli che lo incontrano l’arrivo di una specie di mito – l’americano con il registratore nei paesi della campagna e della montagna della provincia italiana. «A volte i sindaci dei paesi che visitavamo facevano sapere allla gente del luogo che un americano sarebbe arrivato per registrarli – scrive Lomax – e ciò in un paese creò una situazione davvero pericolosa, data l’estrema povertà di quel periodo. La notizia era andata in giro, e quando arrivammo nella piazza principale una folla di quattro o cinquecento persone era lì ad accoglierci. Molti incominciarono a battere i pugni sugli sportelli del furgone, chiedendo di essere immediatamente ascoltati dal ricco americano…».

Dopo venticinquemila miglia percorse e centinaia di ore di registrazione, Lomax e Carpitella disponevano di un materiale eccezionale che sarebbe stato all’origine di una decina di dischi, di una serie radio trasmessa dalla Bbc, e di una sorta di archivio rimasto a tutt’oggi ineguagliato. Anche perché, come lo stesso Lomax notava in quei giorni, le cose stavano inesorabilmente cambiando: «Molti musicisti nelle città italiane considerano le canzoni dei loro colleghi di paese con un’avversione sempre più intensa, tanto forte quanto quella che gli afroamericani della classe media provano per le genuine canzoni folk del profondo sud degli Stati Uniti».

Eppure quella musica, proprio come era già accaduto con il blues per gli afroamericani, raccontava molto della società italiana, una società che attraversava allora una delicata fase di passaggio dal mondo agricolo al pieno sviluppo industriale e metropolitano. «L’hanno chiamata età dell’ansia, ma forse sarebbe meglio definire la nostra epoca “secolo del blues”, in onore del malinconico genere musicale nato intorno al 1900 nel Delta del Mississippi. Il blues è da sempre un modo di essere, prima ancora che un tipo di musica. Una volta Leadbelly mi ha detto: “Quando la notte sei sdraiato a letto e comunque ti rigiri stai scomodo, allora vuol dire che t’ha preso il blues». Un tempo questo accadeva solo ai neri nel Profondo Sud degli Stati Uniti: oggi, invece, succede in tutto il mondo», scriveva Lomax ne La terra del blues , prima di aggiungere: «Oggi tutti cantano e ballano musica ispirata al blues e il vecchio fiume possente del blues scorre nell’orecchio del pianeta. Il blues è diventato il genere musicale più familiare a tutto il genere umano perché tutti cominciano a sperimentare la stessa malinconica insoddisfazione che appesantiva i cuori dei neri del Delta del Mississippi, la terra in cui è nato il blues: un senso di anomia e alienazione, l’assenza di radici e di antenati; la sensazione di essere merci più che persone; la perdita di amore, famiglia e luogo d’origine. Questa sindrome moderna era la norma per i coltivatori di cotone e per i lavoratori stagionali che un secolo fa vivevano al Sud».

Così, dal suo viaggio nel nostro paese Alan Lomax, traeva la fotografia di una società che parlava per mezzo della musica: «La maggior parte degli italiani – non importa chi siano o come vivano – ha una passione per l’estetica – scriveva il ricercatore nel suo diario – Magari hanno soltanto una collina rocciosa e le mani nude per lavorare, ma su quella collina costruiranno una casa o un intero paese le cui linee si armonizzano perfettamente con il contesto. Allo stesso modo una comunità può avere una tradizione limitata soltanto a una o due melodie, ma sa esattamente come debbano essere cantate». «L’espressione sui volti di questi cantori è tesa e dolorosa. Non sembrano cantare, ma gridare e lamentarsi come abbandonati a un’angoscia che dà tormento – concludeva l’etnomusicologo, sintetizzando in un’immagine il senso di ciò che aveva visto e documentato con i suoi nastri – Le ciglia sono aggrottate. i muscoli facciali sono tesi all’altezza degli zigomi, il volto e il collo sono arrossati per la tensione, le vene e i muscoli del collo sono in rilievo, come se invece di cantare stessero sollevando dei pesi. Possono intonare i loro accordi solo urlando così: quando chiesi loro di ripetere un verso a bassa voce, l’armonia andò in pezzi e non riuscirono a ricordare la melodia».

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Promosso dall’associazione Altrosud, d’intesa con il ministero dei beni culturali e la regione, è stato presentato a Bari l’ «Archivio delle musiche di tradizione della Puglia», primo progetto in Italia che raccoglie in pratica i risultati della ratifica della convenzione tra il parlamento italiano e l’Unesco sulla tutela e la conservazione del patrimonio immateriale. Centomila euro per cominciare a dar vita (siamo a un lavoro che si struttura ovviamente in progress), nella Cittadella della Cultura, sede della biblioteca nazionale di Bari, a una grande teca della memoria musicale e sonora in genere.
Racconta il coordinatore del progetto, Vincenzo Santoro: «Quello di Bari sarà il primo cuore centrale e propulsore di un’espansione che si immagina territoriale e capillare. Ad esempio, per quel che riguarda la ricerca di Lomax e Carpitella, sarà possibile collegarsi ad altri sottotesti come quello sull’uso del tamburello in Puglia con la mappa dei luoghi, dei costruttori con gli indirizzi, delle diverse tipologie e modi di suonarli».
Il progetto prevede tre grandi ambienti. Il primo è quello dove sarà allestito il centro computer, una sorta di enorme database dove saranno riversati e conservati tutti i materiali. Il secondo le sale di ascolto, il terzo la biblioteca dove saranno tutti i materiali cartacei e in video. Naturalmente nella presentazione del progetto non poteva mancare il riconoscimento all’impegno di Rina Durante, pioniera della battaglia per l’archiviazione della memoria musicale. Un lavoro che ha dato un grande impulso al ruolo determinante esercitato dalla Puglia nel movimento di riproposta delle musiche tradizionali.
L’Archivio sarà collegato ai grandi patrimoni storici presenti nel paese come l’Accademia di Santa Cecilia e la Discoteca di Stato.
Ma ciò che è più appetibile nel progetto è l’acquisizione dei patrimoni «locali», che non saranno accentrati ma coordinati e dislocati capillarmente nel territorio regionale. Tra le numerose raccolte da menzionare quelle di Giovanni Rinaldi sui canti delle lotte bracciantili nel Tavoliere, le registrazioni di Otello Profazio sul Gargano, quelle di tanti in Murgia e Salento, quanto mai ricco di proposte e materiali. Per non parlare della lacuna più grande che colmerà l’Archivio: quella degli originali e degli inediti di Matteo Salvatore.
L’appello, nella presentazione alla sala gremita di appassionati e studiosi, è stato anche ai cultori locali affinché diventino i protagonisti di un progetto che ha un senso se diventa aperto e ramificato.

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di Antonella Gaeta

da La Repubblica di Bari, sabato 6 ottobre 2007

Non sarà più e solo la buona sorte a decidere se una serenata di cent´anni fa ne viaggerà altri cento. Si tratterà di trattenere scientificamente, per questa e per le future generazioni, quel che finora è stato complicatissimo, talora impossibile preservare. Un Archivio delle musiche di tradizione della Puglia con sede nella biblioteca nazionale di Bari, nella Cittadella della Cultura. Il progetto, vero e proprio work in progress, tanto atteso da studiosi e operatori culturali e dalle migliaia di appassionati, sarà presentato sabato 13 ottobre nella sua futura sede. E sarà la prima iniziativa a livello nazionale che segue di misura la ratifica in Parlamento della convenzione Unesco per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale.
L´Archivio nasce da un progetto, coordinato da Vincenzo Santoro ed elaborato dall´associazione Altrosud, d´intesa con il Ministero per i Beni Culturali e la Regione. Centomila euro per cominciare a dar vita a questa teca della memoria sonora, la prima mai realizzata in Puglia e della quale si saggeranno gli effetti a fine 2008. E sarà solo l´inizio. «Perché quello di Bari sarà il primo cuore centrale e propulsore di un espansione che s´immagina territoriale, capillare» spiega Santoro che ricorda come la battaglia dell´archiviazione risalga all´impegno di Rina Durante, a più di quarant´anni fa. Un punto di partenza, dunque, ma anche un importante approdo. Tre ambienti saranno allestiti nella Cittadella. Uno, il più importante, conterrà un grande computer, un enorme database in cui saranno riversati tutti i materiali acquisiti, catalogati e conservati nel tempo. Un “cervello elettronico” con una serie di terminali collegati e accessibili agli utenti. Il tutto sarà completato da sale d´ascolto con cuffie, biblioteche dotate anche di materiali fotografici e video. Le informazioni saranno acquisite direttamente in loco o collegandosi a un sito internet che proporrà anche veri e propri percorsi tematici. Racconta Santoro: «Per quel che riguarda la ricerca di Lomax e Carpitella, sarà possibile collegarsi ad altri sottotesti come quello sull´uso del tamburello in Puglia con la mappa dei luoghi, dei costruttori con gli indirizzi, delle diverse tipologie e modi di suonarli». L´effetto più importante di questo lavoro d´archiviazione sarà il collegamento con patrimoni storici come quello dell´Accademia di Santa Cecilia o della Discoteca di Stato, anche tramite collegamenti diretti. Si procederà quindi – in pieno spirito di tangibilità dell´intangibile – ad acquisire le raccolte di privati, tra queste, la più importante è quella di Giovanni Rinaldi dedicata ai canti sociali della Puglia settentrionale, grande testimonianza delle lotte bracciantili animate da Giuseppe Di Vittorio. Sempre restando sul Gargano, si acquisiranno le registrazioni effettuate da Otello Profazio e, come sottolinea Santoro, si cercherà di «colmare la grande lacuna di originali che riguarda Matteo Salvatore». Quindi, le raccolte private datate anni Ottanta e Novanta, come quella in area Murgia e Salento all´incrocio tra Taranto, Brindisi e Lecce assicurata da Gianni Amati e Massimiliano Morabito.
Per quel che riguarda il Salento leccese, ricorda il coordinatore del progetto, invece la maggior parte è stato pubblicato e rientrerà nella sezione specifica dedicata alle raccolte editate. Com´è già accaduto per le ricerche di Lomax-Carpitella del ´54 e quelle di Carpitella-De Martino nel ´59-´60. Quindi, i lavori di registrazione successivi, risalenti agli anni Sessanta e Settanta in epoca di folk revival fino ad arrivare ai giorni nostri, nelle più diverse declinazioni dal jazz al dub. Qui s´inserisce tutto il movimento di cosiddetta riproposta della musica tradizionale con una schedatura e una raccolta di cd che supera i quattrocento pezzi. Dal primordiale Gruppo Folk del Salento di Luigi Lezzi e collegato a Giovanna Marini, nato nel 1971, fino ad arrivare ai più recenti approdi. Con una rarità: la biblioteca tematica sul tarantismo, la prima in Puglia, con testi, studi e tesi di laurea pubblicate sull´argomento.

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